MAN & WOMAN
MACHINE
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LIVE A/V:
AU-DELÀ DU CONCERT
梦幻诗意的舞台灯光、音乐家和影像之间的相互对话、沉浸式装置与迷幻的演出、LED屏幕构建的视觉矩阵……自2000年初以来，电子乐场景在视觉与声音的结合上发挥了全新的创意，使其与普通的音乐会区分开来。
2000年初, 池田亮司，Carsten Nicolai，黑川良一等艺术家在声相作品领域崭露头角，建立了一种全新表演形式“Audiovisual Concerts 视听音乐会” 或是 “Live A/V 声/相 现场”。这些演出很快超越了机构和音乐节给其构建的框架，并找到了更多对此怀抱信心的艺术家，并在巡回演出中吸引了大量观众。首先是Daft Punk的巡演 Alive(2006-2007)，美国公司XL Video为演出设计了壮观的金字塔屏幕。而后双人艺术家组合 1024 Architecture 为 Étienne de Crécy 的音乐会设计了 Square Cube(2007)。从 2010年开始，随着Amon Tobin的巡演 ISAM(2011) 将舞台与映射的技术结合起来，这种现象逐渐成为新趋势。1024 Architecture 为 Vitalic 设计的 V Mirror(2009) 和 VTLZR(2012)；音乐家Robert Henke 和视觉艺术家Christopher Bauder 合作的 Grid(2013) 与Deep Web(2016) ；年轻作曲家Alex Augier 的项目_nybble_(2016)。
这些做法虽看起来很现代，但是却秉承电子音乐自诞生一直以来的理念，它试图重塑音乐会的形式。在电子音乐和具象音乐的历史中，先锋作曲家例如Pierre Henry、Karlheinz Stockhausen、François Bayle、 lannis Xenakis 等人在1950年代到70年代之间早对沉浸式或空间化设备有所构想。他们试图改变音乐家与听众的单一关系，将听众置于听音环境的中心。但如果要找到视听浪潮的先导者，这不可避免地注意到米歇尔雅尔。自1979年以来，他于Place de la Concorde 巴黎协和广场举办的露天音乐会吸引力累计100万人参加，这位法国音乐家与“Hold Up”组织共创了声音与视觉并驾齐驱的表演。
米歇尔·雅尔的一段自述：“在我职业生涯早期，我问自己如何将电子音乐带入舞台并在舞台上表现，因为观众听到的和他们在舞台上看到的有差距。过去和现在一样，他们很难辨别音乐如何播放。在Bob Wilson 的戏剧和歌剧的共同影响下，我意识到视觉上的努力可以帮助我为观众呈现音乐的样子，使用视频或激光这类电子技术。我还喜欢将建筑的外立面作为投影面使用。建筑 l'architecture的语法接近与电子音乐 la musique électronique，这让我意识到我们对几何学有着相同的兴趣，以及建筑结构与电子音乐所展示的抽象有明显关联。因此我一直想在建筑这个领域进行整合与转移。这也预见了我的表演对锐舞文化的辐射，以及后来的视听表演。”